MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES
El Museo
Nacional de Bellas Artes (MNBA) es un museo de arte ubicado en
Argentina, Buenos aires en el barrio La Recoleta.
En 1895, José Evaristo Uriburu creó este museo.
Las primeras donaciones que recibió el museo fueron las colecciones de Adriano
Rossi y José Prudencio de Guerrico, al mismo tiempo que el propio Schiaffino
pidió colaboración de amigos y coleccionistas para incrementar el patrimonio
del museo, con un conjunto inicial de 163 obras.
Su primer director fue Eduardo Schiaffino,
artista, crítico y primer historiador del arte argentino. Años más tarde, en 1893, junto con
Severo Rodríguez Etchart, Eduardo Sívori,
Ernesto de la Cárcova, Augusto Ballerini,
Graciano Mendilaharzu, Ángel Della Valle, entre otros, creó el Ateneo, entidad
organizadora de las primeras exposiciones de arte argentino y desde donde se impulsó la creación del Museo
Nacional de Bellas Artes (MNBA). Schiaffino proyectaba un museo metropolitano,
cuya colección permitiera una lectura de la historia del arte siguiendo el
ejemplo de los museos europeos y norteamericanos contemporáneos y aspiraban a
educar el gusto del público.
Se inauguró el 25 de diciembre de 1896 en el
edificio del Bon Marché de la calle Florida, hoy Galerías Pacífico. Si bien
este inmueble funcionaba como tienda por departamentos, una buena parte también
estaba destinada a otros espacios culturales como el Ateneo, la Colmena, ateliers
de artistas (como el del escultor Víctor de Pol) y bibliotecas. En la
concurrida ceremonia de apertura se le entregó a Schiaffino un diploma
rubricado por sus colegas del Ateneo.
MADRE E HIJA - NICOLAS DE LARGILLIERE
Como primera obra a analizar, en este
museo, he elegido la de Nicolás de Largilliere,
nombrada como "Madre e hija" hecha en Francia 1712. Este retrato
de la época, ubicado actualmente en el Museo Nacional de Bellas Artes en
Argentina, usó la técnica de óleo sobre tela con un tamaño de 89 x 116 cm para
realizar esta magnífica representación de la mujer con su hija de forma
bidimensional.
Se puede decir que este retrato
corresponde a una etapa de la madurez del pintor por la representación de una
nueva atmósfera de armonía entre los sujetos y sus
efectos de color. Tiene también un dominio de las texturas como todo artista
académico y una precisión súper elegante del movimiento de las manos. Este
artista representó con su obra tanto la elegancia cortesana
como el ascenso de la alta burguesía dieciochesca. En este retrato, se dice que
la mujer se puede considerar como Madre y Venus, mientras que la niña, podría
ser su hija, y a la vez, cupido. Diciendo esto se puede decir que Largilliere apeló
a la tradición de saber representar otra forma al amor.
Hablando un poco del artista de esta
obra, Nicolás de Largilliere nació el 20
de octubre de 1656 y falleció el 20 de marzo de 1746. Este pintor clasicista
Francés, Parisino tuvo
formación flamenca y estableció pronto una reputación como retratista de
colores brillantes. A lo largo de su vida, produjo varios tipos de pinturas,
entre ellas con temas históricos, religiosos, paisajes y bodegones. Largilliere en
todas sus pinturas jugaba con severas técnicas, jugaba con los objetos, los
colores y la luz.
Nicolás hacia retratos impresionantes en mi opinión. Estaban cargados de vitalidad, sensibilidad y vivacidad y esto fue lo que hizo que se transformara en uno de los pintores más grandes del reinado de Luis XV y la Regencia. Este hombre es un pintor que sin duda merece ser recordado como uno de los más grandes de los pintores del arte francés.
Museo
de Arte Moderno.
Fue creado el
11 de abril de 1956 y su primer director fue el crítico de arte Rafael Squirru.
El edificio data de 1918. A partir de 1987
se inició el reacondicionamiento que lo volvería funcional, manteniendo algunas
características originales como la fachada en ladrillo colorado inglés,
semejante a los galpones de la zona portuaria aunque de terminación más
cuidadosa, y una gran puerta de entrada construida en madera reforzada con
chapas de hierro y tachas puntiagudas.
Hasta su arribo
al Teatro Municipal General San Martín, sus exposiciones tuvieron el carácter
de "manifestaciones relámpago o de emboscadas", en las que se
sorprendía a los transeúntes desplegando esculturas. Durante ese período,
recibió la denominación de "Museo Fantasma", hasta que se instaló en
el edificio de Corrientes 1530, donde fue consolidando y afirmando su propia
identidad.
Con el correr del tiempo, la amplitud de las actividades que se desarrollaron hizo necesario contar con una sede propia.
Con el correr del tiempo, la amplitud de las actividades que se desarrollaron hizo necesario contar con una sede propia.
En 1986 se le otorgó el edificio ubicado en Av. San Juan 350,
corazón del barrio de San Telmo. La sede del museo permaneció cerrada por las
obras de restauración y ampliación del edificio.
EL MAGO DESNUDO - LAURA LIMA
De
todas las obras de Laura Lima que se encontraban en el Museo
de Arte Moderno de Buenos Aires, escogí la primera que presentaron. Consiste en un
tipo de obra viva, era una sala con objetos instalados, donde se plantea una
especie de escenografía. También hay una persona, nombrada como un performer, pero
este, no es el protagonista de esta obra. Este performer, es una
persona que actúa en una sala de exhibición, se puede decir que está en su
mundo que lo que hace es habitar el espacio y tiene la libertad de hacer lo que
quiera.
Hace mucha referencia a un mago, aunque,
el mago, en realidad, no es el protagonista. La idea, repito, es que habite el
espacio. Un show de un mago consiste en: uno va, se encuentra con el mago y el
mago hace una ilusión y la audiencia queda totalmente sorprendida por los
trucos. Pero en este caso, el mago es alguien que está en su entorno como para
así decirlo. Lo interesante de esta obra de Lima, una artista que ganó el
premio de la mejor artista contemporánea, es que tiene que ver con la postura
del espectador y su contemplación hacia estos tipos de obras. La postura del
espectador es más pasiva, donde nosotros vemos y a partir de saber lo que
estamos viendo, comentar y preguntarse sobre ello. Abarca más a la interacción,
a los espectadores, pasando a un segundo plano, lo que haga el artista con sus
manos, lo que produzca o no. No tiene tanto que ver con la técnica que la
artista utilizó, la influencia o el trabajo final, sino, más que ver con la
idea y la
creatividad.
Esta obra fue hecha a partir de que se hizo una campaña por las redes sociales para pedir a las distintas personas de Buenos Aires, para que donaran todos los objetos que iban a desechar. A partir de la acumulación de los objetos, los libros, las alfombras, Laura creó esta obra. La artista lo que hizo fue idealizar, sintetizar, diciendo que quería un espacio, con distintas secciones, sin aclaraciones de donde poner las cosas en lugares específicos, ya que tenía un concepto muy sólido que resultó muy claro de explicar, muy fácil de transmitir y eso facilitó el trabajo en equipo. Es una obra que se adapta a la cultura, en este caso, a la cultura Argentina.
Este concepto consiste en que hay un
mago, en una sala desordenada, una situación poco cotidiana, a pesar de que en
el espacio habitan cosas que están a nuestro alcance, tiene que ser un
lugar para habitar. Pone al mago en nuestro nivel que no está haciendo
ilusiones, por ejemplo, los libros levitando. Laura Lima quiso colgar los
libros con una tanza de forma que esta se vea para demostrar que el mago no
hace ilusiones. La obra debe tener una coherencia y tiene que despertar al
espectador algo para poder discutir, cuestionarse, proponer algo que genere
cierto sentimiento en la
gente, interés.
Laura Lima, nació en 1971, en Minas
Gerais, en Brasil, y es una de las figuras más importantes de la escena
artística contemporánea internacional. En su
trabajo, Lima deja de lado las categorías clásicas de dibujo, escultura y
performance reemplazándolas por otras más abarcadoras y desafiantes como las de
instancia, índice y experiencia. Su recorrido es el de una artista madura que
decidió, a una temprana edad, cuestionar lo dado y ofrecer nuevos caminos para
reflexionar sobre el arte y su rol en el conjunto de la sociedad. Laura Lima
crea una instancia que
muy a menudo incorpora a un ser vivo –una persona (carne), un animal, o un
objeto animado– que trasciende la noción de performance. La obra está viva,
representada por la persona, el animal o el objeto, e invariablemente ofrece
una imagen que sorprende al espectador.
Museo
de Xul Solar
Museo Xul Solar es una institución dedicada a
preservar y difundir la obra del pintor argentino Alejandro Xul Solar y tiene
como objetivo desarrollar y promocionar la cultura en sus diversos aspectos.
Fue creada en 1986 por Micaela (Lita) Cadenas - esposa del artista - y por Natalio J. Povarché - marchand de Xul Solar - siguiendo los planes originales de Xul, tal como éste había pensado el Pan Klub a fines de los años 30.
Fue creada en 1986 por Micaela (Lita) Cadenas - esposa del artista - y por Natalio J. Povarché - marchand de Xul Solar - siguiendo los planes originales de Xul, tal como éste había pensado el Pan Klub a fines de los años 30.
El Museo fue inaugurado el 13 de mayo de 1993.
Las obras que se exhiben fueron seleccionadas por el mismo Xul Solar para el
Pan Klub. Estas constituyen la muestra permanente del Museo junto con objetos,
esculturas y documentos que pertenecen a su archivo personal. Asimismo, la
Fundación conserva la vivienda personal del artista la que, además, alberga su
biblioteca de cerca de 3.500 volúmenes. La vivienda estará próximamente abierta
al público para su visita.
ÑA DIÁFANA - XUL SOLAR
Ña diáfana es una obra surrealista
creada por Xul Solar
en 1923. Estos
tipos de obras lo que busca es, trascender lo real a partir del impulso
psíquico de lo imaginario y lo irracional. En esta creación, se puede ver
claramente cómo el artista suele geometrizar y
esquematizar los
objetos y las figuras representadas. Al
mismo tiempo, recurrió a la trasparencia para el cuerpo humano, se
pueden ver los órganos de la persona. Estos son todos recursos
plásticos
que están muy
acordes en un arte donde no importa el mundo de las apariencias. La intención de Xul es
trasmitir mensajes de contenidos espirituales, místicos, isotérmicos tomando
símbolos de distintas tradiciones.
En resumen, Ña diáfana, es una pintura
donde se proyecta una mujer completamente transparente, en cuyo cuerpo, y a
simple vista, puedan admirarse los órganos internos. Es una obra hecha de
acuarela sobre papel montado sobre cartón de 26 x 32 cm y se encuentra en el
museo Xul Solar
en Buenos Aires, Argentina. Es de la época vanguardista del siglo XX donde
proponen otras funciones para el arte: copiar la realidad, imitar el mundo de
las apariencias, algo que se hacía a través de las academias de las Bellas
Artes.
En esta obra se puede ver la Luna, hay
que recordar que Xul era
astrólogo, por eso es que también le da
un contexto cósmico a sus escenas. La transparencia presente en la obra, denota los
sin ocultamientos ni subterfugios, la serpiente que la persona sostiene en la
mano, representada
de forma
plana, a
pesar de que es un símbolo negativo para
los cristianos, símbolo del
pecado, de la
tentación, aquí es simbolizada como la sabiduría. En las antiguas tradiciones,
antes de las cristianas, las serpientes tenían significados
positivos, en la antigua Mesopotamia tenía un símbolo de fertilidad, vitalidad.
En la antigua Grecia era un símbolo de prudencia y sabiduría, en la antigua
Roma, un símbolo de espíritu protector. Inclusive en algunos círculos
herméticos, se toma a la
serpiente como símbolo
de sabiduría. También puede representar el propio intelecto inquisidor del
artista.
Fue un personaje
excéntrico, versado en astrología, ciencias ocultas, idiomas y mitologías. Fue amigo de Luis Borges que contribuyó a que este artista se haga conocido por la gente,
exaltando su figura singular, antes que su obra. Xul era inventor de una panlengua, que de algún
modo reflejaba todas las lenguas de la Tierra, y del neo criollo. También había inventado un pan ajedrez, en el que las casillas convencionales eran más y se relacionaban con
las constelaciones y los signos zodiacales.
En 1906 Xul compra su primer piano. La educación familiar que
recibe tiene una sólida base musical: su abuelo Alexander Schulz era compositor
y de su padre Emilio hereda una cítara que aprende a tocar. El Archivo del
Museo Xul Solar cuenta con varias fotos de su padre vestido de etiqueta para las
veladas de gala del Teatro Colón. Entre las numerosas partituras conservadas se
identifica una preferencia por las composiciones de Richard Wagner y de Johann
S. Bach, especialmente por la ópera y la música sinfónica. Gracias a su
profundo conocimiento de la materia, años después modificará no sólo el sistema
de notación musical por uno más fácil de aprender y de tocar sino que
intervendrá, con cambios estructurales, una celesta, un armonio y el piano de
Lita, su esposa. En su extensa producción crea, además, una serie de obras con
títulos que hacen referencia directa a la
música: San Danza, Barreras melódicas, Cinco
melodías, Coral Bach, Impromptu de Chopin.
Hacia 1906 inicia una actividad que mantendrá hasta el final de su vida: la de recortar ilustraciones y artículos de diarios y revistas para pegarlos en hojas, que reúne en varias carpetas divididas según sus distintos intereses. En 1908 trabaja por unos pocos meses en la Municipalidad de Buenos Aires.
Hacia 1906 inicia una actividad que mantendrá hasta el final de su vida: la de recortar ilustraciones y artículos de diarios y revistas para pegarlos en hojas, que reúne en varias carpetas divididas según sus distintos intereses. En 1908 trabaja por unos pocos meses en la Municipalidad de Buenos Aires.
PROA
La Fundación Proa es un centro privado de arte fundado
en Argentina en 1996, que desarrolla programas de educación y de
intercambio con instituciones culturales. Su foco está centrado en la difusión
de los grandes movimientos artísticos del siglo XX.
Diez
años después de su apertura, Fundación Proa encaró un proceso de renovación que
concluyó en 2008 con la inauguración de su nueva sede.
Es un antiguo edificio de fachada italianizante y tres pisos que cuenta con cuatro salas de exhibición,
un auditorio multimedial, una librería especializada, un restaurante y terraza,
además de espacios de acción y apertura al público y una fachada transparente
para comunicar experiencias desde el interior hacia el barrio. El proyecto y
dirección de las obras es del estudio Caruso-Torricella de Milán, el mismo que
en 1996 transformó el antiguo edificio en un emblemático punto de referencia
para el arte contemporáneo en Buenos Aires.
En el proyecto de remodelación, a los dos lados
del histórico y restaurado frente de la casona que hospedó originalmente a la
Fundación Proa en La Boca, se incorporaron dos fachadas de vidrio de estilo
contemporáneo, tanto tecnológica como visualmente.
CUBO 9x9x9 - MONA HATOUM
De
este espacio, escogí una llamada Cubo 9x9x9, una fantástica creación de Mona Hatoum. Esta
obra está hecha de varas de metal y está ubicada
en la actualidad en el Proa, Buenos Aires, se encuentra en una sala donde está
centrada en esta misma. El hecho de que esté centrada, nos invita a que todos
los espectadores la veamos desde
distintos puntos de vista, nosotros tenemos un lugar activo, necesitamos
recorrer alrededor de
ella por distintos lugares y a distintas distancias. Es un cubo formado por
severos cubos y mientras
cambiabas el punto de vista, había
líneas que se alineaban, van cambiando, van jugando según nuestra ubicación en
relación a la obra.
Una hipótesis del
significado de este cubo es que, mientras más nos alejábamos, más cubos se
encontraban alineados, es decir, menos varas eran vistas. Mientras, a medida
que avanzábamos hacía
la obra, más y más varas iban apareciendo. Lo que puede llegar a significar,
como hipótesis es
que, cuando ves a una persona de cerca, ves mucho más cosas de cuando la ves de
afuera.
A pesar de que puede generar una idea de
encierro, como
si fuese una jaula, hay un
concepto presente relacionado al movimiento, hay un dinamismo, podemos ver las
cosas a través de él, tiene cierta transparencia. Son muy importantes estas
ideas contradictorias, opuestas al interior de la obra porque es un mecanismo
que a Mona Hatoum le
interesa muchísimo en su lenguaje y esta contradicción es parte de la obra.
Este alambre de púa te aleja, ya que uno
tiene la sensación de que si uno se acerca y lo toca, te va a lastimar. De por sí,
la obra nos genera una sensación de rechazo, amenazante,
tiene asociaciones violentas, como si
fuese una cárcel.
Este tipo de obra, es una obra
tridimensional, hecha de varas de metal, y te da la sensación de que la textura
es áspera y poco placentera de tocar, al mismo tiempo que contiene
"púas". El color es gris oscuro, color metal, es el color único, por
lo tanto es también el color predominante. Es una obra que propone ser
recorrida para ser vista de distintos puntos de vista, sugiere cierta
profundidad.
Mona Hatoum nació en 1952 en una familia
palestina en Beirut y ha vivido y trabajado en Londres desde 1975. Sus
esculturas, vídeos, dibujos e instalaciones han sido ampliamente exhibidos en
todo el mundo. En su trabajo, Hatoum ha sido siempre un apasionado del
cuerpo y su mecánica. Su seminal 1994 pieza, Le Corps Etranger, es una video instalación que consiste en
imágenes recogidas por las cámaras insertadas en los diversos orificios de su
propio cuerpo. Este trabajo le valió una nominación para el prestigioso
Premio Turner el año siguiente.
Hatoum recuerda que
primero vieron imágenes del arte occidental en el fondo de su diccionario como
un niño. Aunque ella llamó incesantemente, su padre le prohibió estudiar
arte y animó a su decisión de estudiar diseño gráfico en su lugar. Después de
varios años en una carrera de publicidad, Hatoum, finalmente optó por perseguir
su sueño de estudiar arte en Londres en la década de 1970. Desde entonces,
ella ha producido tenazmente el video, performance y proyectos escultóricos
conmovedores que han establecido su lugar en el arte contemporáneo.
Museo
Latinoamericano de Buenos Aires
El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba)- fue fundado en septiembre de 2001 con el objetivo de coleccionar, preservar, estudiar y difundir el arte latinoamericano desde principios del siglo XX hasta la actualidad. Es una institución privada sin fines de lucro que conserva y exhibe un patrimonio de aproximadamente 400 obras de los principales artistas modernos y contemporáneos de la región.
Combina un calendario de exposiciones
temporarias, con la exhibición estable de su colección institucional, y
funciona simultáneamente como un espacio plural de producción de actividades
culturales y educativas. Ofrece ciclos de cine, literatura y diseño y lleva
adelante na tarea de educativa a través de programas destinados a diferentes
tipos de públicos. En mayo de 2007, el Malba fue declarado Sitio de Interés
Cultural por parte de la Legislatura de la Ciudad
Autónoma de Buenos Aires. En noviembre de 2008,
recibió el Premio Konex de Platino como Mejor entidad cultural de la última
década.
Se trata de un edificio de estilo deconstructivista,
una corriente de la arquitectura de moda en la década del '90, se caracteriza
por la yuxtaposición de volúmenes formando piezas poliédricas, y el uso de
ángulos agudos resaltando las aristas de los cuerpos. En líneas generales, el museo se lee desde el
exterior como un juego de volúmenes revestidos en piedra caliza española, con
uno de vidrio verde tipo courtain wall. Desde el comienzo, se ha asociado más de una vez el
aspecto exterior del edificio con el Centro
Gallego de Arte Contemporáneo, proyectado por el
arquitecto Álvaro Siza en 1993, ya que comparte hasta el material de
revestimiento en sus fachadas.4 En el
interior, el acceso principal a las colecciones es por el lateral este del
edificio, mediante una serie de escaleras mecánicas que van recorriendo esa
fachada vidriada a medida que suben.
ABAPORU -
TARSILA DO AMARAL
En este Museo, escogí la pintura más famosa de Tarsila do Amaral,
Abaporu. Es una pintura surrealista donde se ve un cuerpo humano con dimensiones
sumamente desproporcionadas con pies monstruosos y cabeza pequeña, con el apoyo
de una amplia base de sustentación. En la pintura se puede observar colores
tales como el azul, utilizado para representar el cielo, el amarillo para
dibujar al Sol y el verde para las vegetaciones. Estos colores transmiten la
idea de "brasilidad" ya que contiene los colores de la bandera
brasilera.
El título de esta obra es una metáfora. Abaporu quiere decir
"hombre que come hombre", un caníbal. La metáfora consiste en que en
aquella época, todos pintaban imitando y copiando el estilo europeo, mientras
que Tarsila quería ser una pintora de su tierra, Entonces pensó que podría ser
como el gigante de la pintura y "comer" la cultura europea, creando
otra nueva cultura de su tierra. Se dice que hizo al personaje con un tamaño
exagerado debido a que para comerse algo tan grande como lo era la cultura
europea, se necesitaba un cuerpo enorme con los pies grandes para que estén
bien plantados sobre la tierra.
Como opinión personal, la posición en la que está presentada la
persona, me da la sensación de profunda tristeza, dolor, melancolía,
sufrimiento, podemos observar su pequeña cara apuntando hacia abajo dando
signos de depresión. También pienso que esta obra presenta un cierto tipo de
contradicción ya que el estado de ánimo del personaje no coincide con el tipo
de color, paisaje y hasta la técnica que utilizó. Usó colores alegres,
llamativos y patriotas para luego representar un estado de soledad de la
persona.
Abaporu es una pintura
bidimensional de 1928, hecha al óleo con 85 x 70 cm y 3 cm de grosor.
Actualmente está ubicado en el Museo de Arte Latino Americano de Buenos Aires,
en Argentina. Es considerada un símbolo del movimiento modernista brasilero.
Esta artista nació el 1 de septiembre de 1886, en el municipio de Capivari, el estado de San Pablo. Es hija del granjero José Estanislau do Amaral y Lydia Días de Aguiar do Amaral, pasó su infancia en fincas de su padre. Estudió en Sao Paulo y luego en Barcelona, España, donde hizo su primera pintura, 'Sagrado Corazón' en 1904. Cuando regresó, se casó con André Teixeira Pinto, con quien tuvo su único hijo, Dulce.
Se separaron unos años más tarde y luego comenzó sus estudios en el
arte. Comenzó con la escultura, con Zadig, leer las clases de dibujo y pintura
en el taller de Pedro Alejandrino en 1918, donde conoció a la pintora Anita
Malfatti. En 1920, se fue a estudiar a París en la Académie Julien y Emile
Renard. Allí permaneció hasta junio de 1922 y sabía de la Semana de Arte
Moderno (que tuvo lugar en febrero de 1922) a través de las cartas de su amiga
Anita Malfatti.
Su relación con el escritor brasileño Oswald Andrade, con quien
vivió durante unos años, contribuyó al intercambio de ideas entre artistas
brasileños de vanguardia y escritores y artistas franceses. Sus telas reflejan
una gran diversidad de influencias. Por lo general, representan paisajes de su
país con una vegetación y fauna de vívidos colores, de formas geométricas y
planas con influencias cubistas. Al igual que otros artistas brasileños de su
época, estaba interesada en los orígenes africanos de su cultura y solía
incorporar a su obra elementos afro brasileños. A finales de la década de 1920 comenzó a
pintar una serie de paisajes brasileños de corte onírico influidos por el
surrealismo francés. Tras un viaje a Moscú en 1931, incorporó aspectos del
realismo socialista, estilo artístico oficial aprobado por el gobierno
soviético en el que se representaba a obreros y campesinos en posturas
monumentales y heroicas. Sin embargo, pronto retornó a sus temas iniciales, y
pintó cuadros surrealistas de figuras alargadas en los que plasmó las
brillantes tonalidades rosas y anaranjadas de la tierra brasileña.
Autora: Dolores Álvarez
Autora: Dolores Álvarez
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