Museo de Bellas Artes.
Acerca del museo:
El Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) es un museo de arte argentino con sedes en la Ciudad
de Buenos Aires y en la ciudad de Neuquén. Tiene el mayor patrimonio artístico del país y es uno de
los principales de América
Latina.
Su primer director fue Eduardo Schiaffino, artista, crítico y primer historiador del arte
argentino. El MNBA se perfiló, desde su fundación, como un museo de carácter
ecléctico, cuya colección fue creciendo a partir de importantes adquisiciones y
donaciones. Una obra del pintor
francés Auguste Renoir fue comprada en 1907 con fondos públicos.
Obra a analizar:
“Primeros
Pasos” 1936
Este cuadro es de
Antonio Berni de nacionalidad Argentina. La fecha de publicación fue en 1936.
Su género pertenece al nuevo realismo, costumbres y social. La técnica
utilizada es de óleo y su soporte es sobre tela (200x180) cm.
Se
trataba, entonces, de una versión moderna que el artista comenzó a practicar.
Una pintura cuyas protagonistas, sutiles y
estilizadas, comparten la cualidad monumental y hierática de muchas de las
figuras realizadas por el artista durante los años 20 y 40. Se trata de Paule y
Lily, la esposa y la hija del artista, quienes protagonizan varias escenas
enigmáticas dentro de una larga serie de obras dedicadas a figuras femeninas
pensativas. Es una de esas
extrañas escenas donde el tiempo parece suspendido y donde las protagonistas han
reemplazado el poder de la palabra por la oratoria de un gesto contenido y
melancólico.
Desde mi punto de vista, la obra es una de esas
que te hace pensar cual es el propósito del artista. Yo veo una mujer cansada
de su vida diaria de costura (típico de esa época) y la hija en una posición de
ángel y bailarina, como si quisiese entretener a su madre. La perspectiva del
espacio arquitectónico, geométrico, nos da cuenta del mundo real en el que
ellas viven. Podemos ver
que la obra juega mucho con los colores, desde un verde, un amarillo fuerte
hasta un rojo fuerte. Las sombras son un buen uso (también con los colores)
para llevar a cabo el realismo del cuadro.
Al observar las características del ambiente que
envuelve a las figuras y la disposición de estas en el espacio, sus actividades
y gestos, podemos encontrar ciertas semejanzas con algunas Anunciaciones: la
niña como el ángel esbozando un suave movimiento, la madre a la manera de la
Virgen con los elementos ligados a las labores de aguja o a la lectura. Además,
si reparamos nuevamente en el ambiente con sus pisos de tablas paralelas los
techos con tirantes, las aberturas laterales y del fondo, así como la posición
acodada de la madre sobre la máquina de coser con un largo paño, podrían
trazarse no solamente esos nexos con las Anunciaciones sino
también vinculaciones con algunas composiciones de Giorgio de Chirico como Il figlio prodigo (1926, colección particular) yMobili nella valle.
Museo de Arte
Moderno de Buenos Aires
Acerca del museo:
MAMBA- fue creado el 11
de abril de 1956 y su primer director fue el crítico de arte Rafael Squirru.
Hasta su
arribo al Teatro Municipal General San Martín, sus exposiciones tuvieron el
carácter de "manifestaciones relámpago o de emboscadas", en las que
se sorprendía a los transeúntes desplegando esculturas. Durante ese período,
recibió la denominación de "Museo Fantasma", hasta que se instaló en
el edificio de Corrientes 1530, donde fue consolidando y afirmando su propia identidad. Con el correr del tiempo, la
envergadura de las actividades que se desarrollaron hizo necesario contar
con una sede propia.
En 1986 se le otorgó el edificio ubicado en Av. San Juan 350,
corazón del barrio de San Telmo, que había albergado a la antigua fábrica de
cigarrillos Piccardo. La sede del museo permaneció cerrada por las obras de
restauración y ampliación del edificio.
Obra a analizar:
EL
MAGO DESNUDO - LAURA LIMA
De esta obra de Laura Lima, me impresionaron varias cosas. La obra tiene la característica de ser una obra viva, en un salón con objetos instalados y con unos actores improvisando. En esta obra podíamos ver la fascinación del mundo del artista, como si estar en ese salón seria estar en la mente de Laura Lima. Muchas partes daban una sensación de derrumbe donde podríamos ver en que Laura Lima estaba pensando. ¿Acaso algo que quería criticar de la sociedad o algún estanque en su vida? La obra da una sensación de misterio y incertidumbre al espectador. En la obra podíamos distinguir distintas instalaciones, había una zona donde parecía una biblioteca que se iba a derrumbar con libros volando como si fuese algo mágico. En otra instalación podíamos ver un hombre con una mujer hablando.(Mejor conocido a ese hombre como el performer de obra. Es un actor que actúa en la obra independientemente de lo que esté pasando en el mundo exterior de la obra, el vendría hacer parte de la obra pero en vez de un objeto, un ser humano.) En la parte donde estaban la mujer y el hombre sentados hablando podíamos ver una escena de una vida cotidiana en una cocina, donde la cocina no era cualquier cocina, la misma tenía su misterio. Daba una sensación de oscuridad y de una cocina de un apartamento chico, típica de vida cotidiana de un trabajador. En otra parte de la instalación era como una pared con dos corredores a sus laterales donde no se podía pasar, donde un aire fuerte corria por ahí, dando una sensación de ¿Qué pasará si pasamos ahí? Pero claramente no se podía, esa parte de la obra me dio una sensación de incertidumbre.
Lo que más me llamo la atención fue la perfección que creo el
artista al hacer un salón normal a parecer un mundo distinto. La verdad que es impresionante
lo que sentías cuando estabas ahí adentro, como si tu estuvieses en la vida del
artista ya sea sobrenaturalmente y naturalmente.
Laura Lima (Minas Gerais, 1971) es una de las
figuras más relevantes de la escena artística contemporánea internacional. Su
presencia en Buenos Aires es un verdadero acontecimiento. La exhibición de Laura Lima en el Moderno
significa un gran salto para la institución: “Por primera vez durante mi
gestión podemos concretar una coproducción internacional de gran envergadura y
tener entre nosotros a una artista de nivel mundial en su momento de mayor
esplendor creativo. Su presencia en el Moderno es una excelente oportunidad
para vivir de primera mano sus ambientaciones y puestas mágicas”.
En su trabajo, Lima deja de lado las categorías clásicas
de dibujo, escultura y performance reemplazándolas por otras más abarcadoras y
desafiantes como las de instancia, índice y experiencia. Su recorrido es el de
una artista madura que decidió, a una temprana edad, cuestionar lo dado y
ofrecer nuevos caminos para reflexionar sobre el arte y su rol en el conjunto
de la sociedad. Laura Lima crea una instancia que muy a menudo incorpora a un
ser vivo –una persona, un animal, o un objeto animado. La obra está viva,
representada por la persona, el animal o el objeto, ofrece una imagen que
sorprende al espectador.
Museo PROA
Acerca
de PROA:
Instalado en 1996 sobre una casa reciclada de fines del sigo
XIX, en el barrio de la Boca. Con un programa
anual de exhibiciones temporarias y la organización de seminarios, cursos,
conferencias y conciertos, Fundación Proa es -desde su inauguración- un punto
de referencia ineludible para las artes de la ciudad de Buenos Aires.
Su programación, centrada en la difusión de los grandes movimientos
artísticos del siglo XX, incluye una diversidad de propuestas actuales como la
fotografía, el video, el diseño, la música electrónica, además de la puesta en
marcha de proyectos especiales.
Como parte de su propuesta fundacional, Proa desarrolla programas de
educación y de intercambio con prestigiosas instituciones culturales.
Obra a
analizar:
En esta obra de Mona Hatoum podemos ver
una escenografía llevada a cabo con tan solo una Lámpara
de cobre una cadena de metal, una lamparilla eléctrica y un motor eléctrico de rotación. De esta obra de
Mona Hatoum pude sacar muchas conclusiones, después de ver muchas obras de
Hatoum en el PROA , pude ver que ella usaba elementos simples para representar
cosas hostiles, muchas veces representando la política y la sociedad. Yo de
esta obra pude ver que en esta ocasión, ella estaba representando la hostilidad
de forma un tanto más directa. Cuando digo “un tanto” lo digo porque no
literalmente es representado directamente ya que la escenografía sale de tan
solo una lámpara con ranuras de soldados. En mi opinión será de forma directa
si esos soldados y ese ámbito de guerra estarían representados con otras
técnicas más vivas. Por otro lado, yo pienso que de todas maneras esa sensación
de estar como en una guerra está muy bien representada.(Capaz que ese interés y
crítica de guerra viene de su pasado palestino)
Yo cuando
estaba ahí me sentía como si estos soldados me estuviesen rodeando a mi, creo
que es lo que Mona Hatoum queria representar. La artista tiene un origen muy
distinto al nuestro (árabe) y su representación artística es muy interesante ya
que tiene ideologías distintas a las nuestras y capaz que nosotros no
entenderíamos. En este caso, en mi opinión, Mona Hatoum estaría representando
la guerra y los soldados algo muy negativo. En el caso de los soldados porque
estarían alienados de la sociedad ya que son todos iguales, ( con su casquito y
el mismo uniforme) donde podemos ver que hasta están en una fila todos al mismo
tiempo marchando.
Podemos ver esto como una crítica a la
política y a la sociedad. La escenografía de nos da un ámbito mágico ya que es
un tanto extraño como está creada la obra, pero a su vez muy interesante. En mi
caso, no dure más de 5 minutos en esa obra ya que me mareaba la “marcha” de los
soldados alrededor mío, aparte también da una sensación de encerramiento. Yo
creo que este motivo es a propósito, para representar lo horrible que es la
guerra y la alienación de los soldados.
Acerca de Mona Hatoum:
Del 28 de marzo al 14 de junio de 2015, Fundación Proa
presenta por primera vez en Argentina la exhibición MONA HATOUM,
artista de reconocimiento internacional y una de las representantes más
destacadas de la escena contemporánea.
Nació en 1952 en el seno de una familia palestina originaria de la ciudad de Haifa, ciudad que en 1948 se ven
obligados a abandonar para terminar recalando en la capital libanesa, debido a
los enfrentamientos que afectaban a los palestinos.
Estudiará en el Beirut University College, de Beirut durante los años 1970-1972. A partir de la década del noventa, su producción se fue inclinando hacia la escultura y las instalaciones de gran escala con fuerte contenido político. Desde entonces sus obras están signadas por la reutilización de los objetos más cotidianos y banales, que abandonan su inofensiva e inocua condición para volverse hostiles y sospechosos. A través de sorpresivos cambios de escala y sutiles combinaciones y alteraciones, los objetos creados por Mona Hatoum son al mismo tiempo familiares y extraños: dislocan la mirada del espectador hasta sobrecogerlo.
Estudiará en el Beirut University College, de Beirut durante los años 1970-1972. A partir de la década del noventa, su producción se fue inclinando hacia la escultura y las instalaciones de gran escala con fuerte contenido político. Desde entonces sus obras están signadas por la reutilización de los objetos más cotidianos y banales, que abandonan su inofensiva e inocua condición para volverse hostiles y sospechosos. A través de sorpresivos cambios de escala y sutiles combinaciones y alteraciones, los objetos creados por Mona Hatoum son al mismo tiempo familiares y extraños: dislocan la mirada del espectador hasta sobrecogerlo.
Museo de Xul Solar
Acerca del museo:
La Fundación Pan Klub Museo Xul Solar es una institución dedicada
a preservar y difundir la obra del artista argentino Alejandro Xul Solar y
tiene como objetivo desarrollar y promocionar la cultura en sus diversos aspectos.
Fue creada en 1986 por Micaela (Lita) Cadenas, su esposa, y por Natalio J.
Povarché, marchand de Xul Solar, quienes deciden
fundarla respetando los planes originales del creador. Se inauguró el 13 de
abril de 1993 con las obras seleccionadas por el mismo Xul Solar y que son
además, las que componen la muestra permanente del Museo, junto con objetos,
esculturas y documentos que pertenecen a su archivo personal.
Obra a
analizar:
La obra se llama Vuel Villa, 1936 creada por el artista Xul
Solar. La misma está hecha de Acuarela sobre papel (34x40cm) En esta época las actividades de Xul
se extienden y colabora con diversos medios culturales. La amistad con Borges
se refleja en las publicaciones dirigidas por el escritor. Su interés por el
ocultismo y el misticismo, presente a lo largo de su vida, cobra un renovado
matiz a partir de este periodo, durante el que se empapa con mayor profundidad
en temas esotéricos y espirituales. El cuadro consiste en una nave colgada de globos del visionario. Según la
crítica brasileña Aracy Amaral, el cuadro de Xul junto a otros eran como
“dibujos en el espacio que tienen casi más luz que cuerpo, como un estallido de
centellas”. Desde 1916, las obras de Xul son combinaciones de signos y
símbolos; crea un lenguaje verbal y visual particular
que coincide con la búsqueda de sus intereses espirituales. En este cuadro la
composición de los signos es muy notoria, podemos ver una escenografía fantasiosa
donde lo que más se destaca es esa nave colgada de globos. Donde podemos ver de
esta nave una gran sobrenaturalidad, como si una ciudad estará volando sobre
otra ciudad. Yo creo que lo que quería representar Xul Solar es un ámbito
fantasioso y que el espectador se quede pensando, lo que yo pude deducir es que
la técnica de sus obras son muy simbólicas y que sus significados giran en
torno a su vida personal. En este cuadro podemos ver una gran gama de colores
como tonos de marrones y de verdes. Algo muy bien hecho la mezcla de los
colores con los negros y los blancos, otra cosa muy profesional son las
sombras. Hablando del paisaje, podemos ver un paisaje místico y no pudiésemos
distinguir si es un amanecer o un atardecer (incertidumbre). A su vez, también
podemos ver el cuadro como un cuadro no realista, donde las casas y paisajes
parecieran como de un dibujito.
Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari más conocido como Xul
Solar (1887 – 1963) fue un pintor, escultor, escritor e inventor de idiomas imaginarios nacido en Argentina.
Fue un personaje excéntrico, versado en astrología, ciencias
ocultas, idiomas y mitologías. Su amigo Jorge
Luis Borges contribuyó a que se lo conociera, exaltando su figura
singular, antes que su obra.
Estudió arquitectura en la Facultad de
Ingeniería. Al cumplir los veinticinco años viajó a Hong Kong y recorrió
algunos países europeos como Inglaterra, Francia e Italia.
Interesado por la filosofía, las ciencias
ocultas y las creencias de las distintas culturas, ya en 1919 sus obras
reflejaban esta inquietud espiritual, con la aplicación de colores vivos,
formas y símbolos geométricos, figuras sencillas y, a menudo, palabras.
Precisamente los signos lingüísticos llamaban poderosamente la atención a este
misterioso personaje. Llegó a dominar diez idiomas e incluso a crear alguno. Al
igual que Gras, Xul hizo uso, en sus creaciones, de letras y signos gráficos, e
incluso se le atribuye la creación de un lenguaje pictórico denominado
"criollismo"
Museo MALBA (Mueso
de Arte Latinoamericano de Buenos Aires)
Acerca del museo:
MALBA (Fundación
Costantini fue fundado en septiembre de 2001) es un espacio cultural dinámico y participativo en el que se
presentan exposiciones temporarias de diversa índole (en muchas ocasiones junto
a otros museos alrededor del mundo, colecciones internacionales y fundaciones
afines) y muestras de arte contemporáneo argentino y latinoamericano. Además,
cuenta con un importante programa de cine y con una cinemateca que crece
mensualmente a través de la adquisición y el rescate de films esenciales de la
historia del cine. El museo también tiene un área de Literatura a través del
cual realiza encuentros con escritores, cursos, seminarios, charlas literarias
y presentaciones de libros.
Yo voy hablar de la exposición
“Experiencia Infinita” que fue una exposición que tuvimos la suerte de estar
presentes cuando se realizó en el museo. La obra es
una exposición de obras en vivo que invita a
reflexionar sobre los modos de vida y de aproximación al arte y al museo. Se
trata de una muestra nunca antes vista en una institución museística de América
Latina, en la que todas las piezas son situaciones construidas,
instalaciones en vivo, representaciones y coreografías creadas en los primeros
años del siglo XXI.
La obra que más me llamó la atención de esta
exposición fue la de “La puerta giratoria” la misma está compuesta por un grupo
de bailarines que forman una fila de manera espontánea. Alineados de pared a
pared, impiden el paso y comienzan a rotar en un movimiento circular, que, al
girar, va “barriendo” a los visitantes, obligándolos a pasar de un lado al otro
de la sala. Los movimientos incluidos en la coreografía han sido tomados de
protestas políticas, marchas militares y formaciones escénicas, en una
reflexión sobre los diversos gestos que creamos al unísono. La obra fue
inspirada por Allora y Calzadilla en 2011.
Lo que más me
llamó la atención de esta obra fue la originalidad y la paciencia de los
artistas que hacían parte de la obra (tenían una gran capacidad de actuación).
La obra me daba una sensación de inseguridad, la única manera de pasar al otro
lado del museo era pasando por ahí. Mi primera reacción fue de curiosidad, no entendía
que estaban haciendo estas personas y tampoco pude sacarle un significado.
Luego de verla (sin pasar aun) por unos 20 minutos aproximadamente le pude
sacar una conclusión propia, y fue la de una crítica a la sociedad de muchos
puntos de vista, ya sea de las marchas de los soldados a la alienación del ser
humano. Decidí entonces pasar, fue todo un desafío. Pase y los actores me
empezaron a rodear para que salga de ahí, Salí. Fue una obra que me gustó
mucho, yo pienso que uno de los mensajes es que no nos metamos en ese mundo de
seriedad, alienación etc, que salgamos de ahí. Pero eso si, que seamos consiente
de todas las cosas que pasan en los seres humanos.
Jennifer
Allora (Filadelfia, 1974) y Guillermo Calzadilla (La Habana, 1971) son una
pareja de colaboradores que viven y trabajan en San Juan, Puerto Rico, desde
1995. Sus creaciones surgen del choque estratégicamente producido entre
diversos objetos, contextos y referencias, a partir de una amplia labor de
investigación. Su cuerpo de obras, experimental e interdisciplinario, consiste
en una singular mezcla de escultura, fotografía, performance, sonido y video, y
resulta en yuxtaposiciones inesperadas que reflexionan sobre historia profunda
y realidades geopolíticas contemporáneas, poniendo de manifiesto sus complejas
dinámicas, desestabilizándolas y reordenándolas de manera poética.
Bibliografia:
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